Comment Victor Vasarely est devenu le « grand-père » de l'Op Art

Le 18 mars 1997, trois jours après la mort de l'artiste hongrois Victor Vasarely, The New York Times publie une nécrologie avec le titre « Le patriarche de l'Op Art meurt à 90 ans ».

« Bien qu'ultimement éclipsé par le style plus sobre du minimalisme, l'Op Art était une forme d'abstraction immensément populaire », écrit Roberta Smith, la critique d'art du journal. « M. Vasarely, qui avait expérimenté les motifs optiques depuis les années 1930, était largement reconnu comme son "grand-père". »

Vasarely avait passé la majeure partie du XXe siècle à repousser les limites de l'abstraction géométrique. Bien plus qu'un simple créateur de motifs mathématiques, il s'inspire autant de Malevitch et Mondrian que d'Einstein et Heisenberg, et laisse derrière lui une œuvre qui examine rigoureusement l'espace, la matière, l'énergie, le mouvement et le temps.

« Dans son vaste atelier d'Annet-sur-Marne, organisé comme un laboratoire, les visiteurs illustres se bousculaient à la porte », se souvient l'historien de l'art Werner Spies. « La cybernétique, les ordinateurs y étaient des mots courants. Les conversations d'atelier tournaient autour de la recherche et des prototypes, et l'on y tenait des discussions passionnantes auxquelles mathématiciens, physiciens, médecins, hommes politiques et spécialistes du comportement contribuaient davantage que les exégètes de l'art. »

Né à Pécs, en Hongrie, en 1906, Vasarely se forme initialement dans une école de peinture à Budapest avant de s'inscrire à l'académie Mühely, le centre informel des études du Bauhaus de la ville.

En 1930, il s'installe à Paris, où un emploi lucratif dans le graphisme lui offre la liberté de développer ses intérêts pour la mécanique quantique, l'astrophysique et la théorie optique. Appliquant ses connaissances à son art, il crée en 1935 L'Échiquier et en 1937-38 Zèbres — deux images hypnotiques en noir et blanc à la manière d'Escher qui sont aujourd'hui considérées comme les génitrices de l'Op Art.

Au cours de la décennie suivante, Vasarely se lie d'amitié avec la galeriste Denise René, et en 1955, le duo organise dans sa galerie parisienne une exposition qui lancera sa vision. Intitulée Le Mouvement, elle présente des œuvres de la série « Noir et Blanc » de Vasarely, qui représentent des réseaux complexes de formes monochromes ondulantes et angulaires, aux côtés de pièces de Marcel Duchamp, Alexander Calder, Jesús Rafael Soto et Jean Tinguely. Un journaliste en visite note : « Tant de toiles reposent sur des illusions optiques que cela ressemble davantage à un cabinet de curiosités de mathématicien. »

Malgré cela, le terme « Op Art » ne sera forgé qu'en 1964, lorsque Donald Judd l'utilise pour la première fois dans une critique de l'exposition Julian Stanczak: Optical Paintings à la Martha Jackson Gallery de New York. Stanczak se montre initialement critique envers le titre de l'exposition, déclarant : « Optique, qu'est-ce que ça veut dire ? Pour les autres peintures, vous n'utilisez pas vos yeux ?! » Mais le surnom de Judd s'impose lorsque le magazine Time publie quelques semaines plus tard l'article « Op Art : des tableaux qui agressent l'œil ».

En février 1965, le mouvement devient une sensation internationale lorsque The Responsive Eye s'ouvre au Museum of Modern Art de New York, avant de partir en tournée à Saint Louis, Seattle, Pasadena et Baltimore. Préparée sur trois ans par le conservateur William Seitz, elle présente environ 125 œuvres d'artistes tels que Frank Stella, Bridget Riley, Josef Albers et Ellsworth Kelly — ainsi que six peintures de Vasarely.

Le communiqué de presse de l'exposition déclare que les œuvres présentées constituent l'Op Art dans sa forme la plus pure : « La figuration, la forme libre, les coups de pinceau gestuels et l'empâtement épais, qui étouffent et affaiblissent la fonction des couleurs et des formes, sont exclus. » Seitz est cité disant que, « contrairement à la plupart des peintures abstraites antérieures, ces œuvres existent moins comme des objets à examiner que comme des générateurs de réponses perceptuelles », ne se limitant pas au « plaisir, à l'anxiété et même au vertige ».

Mais au moment où l'Op Art devient un phénomène — ses motifs psychédéliques reflétant l'ambiance vibrante de l'époque et les avancées scientifiques — Vasarely travaille déjà depuis environ cinq ans sur sa plus grande contribution au mouvement.

Il l'appelle son « alphabet plastique » : un système d'« unités » infiniment interchangeables composées de formes basiques les unes dans les autres, rendues dans un kaléidoscope de couleurs. En utilisant des algorithmes, elles sont organisées en grilles d'une complexité éblouissante pour créer sa série « Folklore planétaire » (à partir de 1960) — le nom faisant allusion au fait que Vasarely pensait que ce nouveau langage universel pourrait transcender les frontières culturelles et sauver le monde de la « pollution visuelle ».

Cette approche algébrique devient la base d'une grande partie de l'œuvre ultérieure de Vasarely, alors qu'il continue d'explorer l'abstraction volumétrique tout au long des années 1960 et 1970. La série « Structures universelles expansives régressives » (à partir de 1968), par exemple, se compose de distorsions sphériques néon qui ressemblent aux premiers graphismes informatiques. « Hommage à l'hexagone » (1964-76), quant à elle, explore les possibilités des formes à six côtés au moyen de couleurs acides et d'une énergie pulsante et rythmique.

Vasarely croyait également fermement à la démocratisation de l'art par la collaboration. En 1969, il distribue des kits « Créez votre propre Vasarely », et l'un de ses motifs apparaît sur la pochette de l'album Space Oddity de David Bowie. Trois ans plus tard, Vasarely dévoile son logo pour les Jeux olympiques de 1972. Et il est l'un des premiers participants au programme pionnier de résidence d'artiste de Renault, créant quelque 40 œuvres en dialogue avec le constructeur automobile français — y compris, avec l'aide de son fils Jean-Pierre Vasarely (travaillant sous le nom d'Yvaral), l'emblématique losange de la marque.

Vasarely lui-même devient une figure reconnaissable, grâce à sa coiffure caractéristique vers l'arrière et ses lunettes à monture épaisse, encadrées par des volutes de fumée de cigarette.

Alors que la notoriété de l'artiste grandit, il ouvre une série de ses propres musées. Le premier se trouve en 1970 à Gordes, un village du sud de la France où il passait ses vacances chaque été depuis les années 1940. D'autres espaces suivent rapidement à Pécs, Budapest et New York. Puis vient l'immense Fondation Vasarely d'Aix-en-Provence.

Vasarely déclare avoir choisi l'emplacement de cette dernière en raison des autoroutes exceptionnelles de la région et de ses liens avec Cézanne. Il conçoit le bâtiment comme une sculpture monumentale en verre et aluminium, comprenant 16 hexagones géants — ou « cellules », comme il les appelle — qui abritent un auditorium, une bibliothèque, un entrepôt et plusieurs galeries.

Dans les années 1980, cependant, la popularité de l'Op Art décline. Vasarely porte son attention sur son empire de musées, mais en 1996, le musée de Gordes ferme. Au moment de sa mort à Paris l'année suivante, le nom de Vasarely est tombé dans une relative obscurité.

La réputation de l'artiste est ravivée une décennie plus tard, lorsque sa fondation est sauvée de l'effondrement. En 2009, le petit-fils de Vasarely, Pierre, en devient président, et depuis lors, le bâtiment a été classé monument historique et a fait l'objet d'une restauration complète. Il attire désormais environ 100 000 visiteurs par an.

En 2019, l'artiste a eu droit à sa première véritable rétrospective en France, qui ouvre avec succès au Centre Pompidou à Paris après ses débuts au Städel Museum de Francfort. À la veille de l'ouverture, la co-commissaire de l'exposition, Jana Baumann, qualifie Vasarely d'« un des artistes inconnus les plus connus de sa génération ».

« En tant que figure clé de l'art d'après-guerre, Vasarely figure dans la plupart des grandes collections françaises, mais il existe également désormais une demande croissante pour son œuvre parmi les collectionneurs américains et asiatiques », note Josephine Wanecq, spécialiste de l'Art d'après-guerre et contemporain, responsable de la vente du soir à Paris.

« Ses pièces monochromes historiques des années 1950 peuvent atteindre les prix les plus élevés [son record aux enchères a été établi à 882 920 dollars par ALTAÏ III (1955) en 2007], mais ses œuvres colorées des années 1960 et 1970 incarnent également l'époque et sont célébrées comme ses images les plus emblématiques.

« Ces œuvres ultérieures ont une forte présence dans les institutions », ajoute-t-elle, « ce qui augmente également leur attractivité. »

Collection Helga et Edzard Reuter sera visible chez Christie’s à Paris à partir du 24 mai 2025, avant la vente du 28 mai

En 2019, l'artiste a eu droit à sa première véritable rétrospective en France, qui ouvre avec succès au Centre Pompidou à Paris après ses débuts au Städel Museum de Francfort. À la veille de l'ouverture, la co-commissaire de l'exposition, Jana Baumann, qualifie Vasarely d'« un des artistes inconnus les plus connus de sa génération ».

« En tant que figure clé de l'art d'après-guerre, Vasarely figure dans la plupart des grandes collections françaises, mais il existe également désormais une demande croissante pour son œuvre parmi les collectionneurs américains et asiatiques », note Josephine Wanecq, spécialiste de l'Art d'après-guerre et contemporain, responsable de la vente du soir à Paris.

« Ses pièces monochromes historiques des années 1950 peuvent atteindre les prix les plus élevés [son record aux enchères a été établi à 882 920 dollars par ALTAÏ III (1955) en 2007], mais ses œuvres colorées des années 1960 et 1970 incarnent également l'époque et sont célébrées comme ses images les plus emblématiques.

« Ces œuvres ultérieures ont une forte présence dans les institutions », ajoute-t-elle, « ce qui augmente également leur attractivité. »

Collection Helga et Edzard Reuter sera visible chez Christie’s à Paris à partir du 24 mai 2025, avant la vente du 28 mai