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拍品专文
« Mes statues équestres symbolisent toute l'angoisse que je ressens face aux événements d'aujourd'hui. Mes chevaux se font de plus en plus nerveux ; leurs cavaliers, de moins en moins capables de les dompter. Ensemble, l'homme et la bête sont accablés par une catastrophe pareille à celles qui ont frappé Sodome et Pompéi. Je cherche ainsi à illustrer le dernier stade de la dissolution d'un mythe, le mythe de la personnalité du héros triomphant, de l''uomo di virtù' des humanistes. »
M. Marini cité in 'Interview with Édouard Roditi', 1958 cité in Dialogues – conversations with European Artists at Mid-century, Londres, 1990, p. 87-88.
Conçue en 1952, notre sculpture appartient à un moment décisif de la recherche menée par Marino Marini autour du cheval et du cavalier depuis les années 1930. À cette date, ce motif, longtemps associé à la puissance, à la maîtrise et à la célébration du héros, a profondément changé de sens. Chez Marini, le groupe équestre devient progressivement le lieu d’une réflexion sur l’instabilité, la vulnérabilité et la condition humaine.
Les premiers cavaliers de l’artiste, solidement installés sur des chevaux calmes et puissamment campés, entretiennent encore un dialogue évident avec la tradition de la statuaire équestre occidentale. Marini y privilégie cependant déjà une simplification des formes nourrie par l’art étrusque, la sculpture archaïque et les expressions primitives. Après la Seconde Guerre mondiale, cette construction sereine se fissure : les cavaliers perdent leur assise, les chevaux se cabrent et l’équilibre entre l’homme et l’animal devient précaire. Le motif héroïque se transforme alors en une image de tension et de fragilité.
C’est précisément cette rupture que cristallise Cavallo. Le cavalier a disparu, laissant l’animal seul face à une force qui semble le dépasser. Le cheval se cabre, l’encolure violemment rejetée en arrière, tandis que son corps tendu paraît suspendu entre résistance et chute. Marini ne cherche pas à décrire un mouvement avec réalisme, mais à en concentrer toute la puissance dans une construction de volumes simples et fortement tendus. L’animal devient ainsi moins le sujet d’une représentation naturaliste qu’une véritable figure de l’angoisse.
Cette transformation prend une résonance particulière en 1952, année où Marini reçoit le Grand Prix international de sculpture de la Biennale de Venise, consacrant la reconnaissance de son œuvre sur la scène internationale. À ce moment de sa carrière, le thème équestre est au cœur de son langage et connaît certaines de ses formulations les plus radicales. Le choix du cheval seul est particulièrement significatif : débarrassé du cavalier qui incarnait traditionnellement son pouvoir, l’animal devient le porteur d’une émotion désormais universelle.
Par son expression de terreur et par la torsion de son corps, Cavallo peut également évoquer le cheval de Guernica, peint par Pablo Picasso en 1937. Comme chez Picasso, l’animal dépasse ici son statut de simple motif pour devenir une figure de la souffrance et de la violence du monde moderne. Cette proximité ne relève pas nécessairement d’une citation directe, mais témoigne d’une sensibilité commune à une époque où la figure animale acquiert une puissance symbolique nouvelle.
La matière participe pleinement à cette intensité. Marini incise et strie directement la surface du bronze, dont les aspérités accrochent la lumière et fragmentent les volumes. Cette peau travaillée, loin d’adoucir la forme, semble prolonger le mouvement et la tension du corps. Le geste du sculpteur demeure ainsi perceptible dans la matière elle-même.
Par son absence de cavalier, son équilibre précaire et son traitement tourmenté de la matière, Cavallo constitue ainsi une formulation particulièrement éloquente de la transformation du motif équestre chez Marini. Le monument équestre, traditionnellement associé au pouvoir, à la victoire et à la maîtrise, devient sous ses mains une méditation sur l’instabilité, la peur et la condition humaine. Le cheval n’est plus le support d’une figure héroïque : il est devenu le sujet même de la tragédie, donnant à l’un des thèmes les plus anciens de l’histoire de la sculpture une portée profondément moderne et universelle.
“My equestrian figures are symbols of the anguish that I feel when I survey contemporary events. Little by little, my horses become more restless; their riders less and less able to control them. Man and beast are both overcome by a catastrophe similar to those that struck Sodom and Pompeii. So I am trying to illustrate the last stages of the disintegration of a myth, I mean the myth of the individual victorious hero, the 'uono di virtù' of the humanists.”
M. Marini quoted in 'Interview with Édouard Roditi', 1958 quoted in Dialogues – conversations with European Artists at Mid-century, London, 1990, p. 87-88.
Conceived in 1952, our sculpture belongs to a decisive moment in Marino Marini’s exploration of the horse and rider, a theme he had pursued since the 1930s. By this time, the motif, long associated with power, mastery, and heroic celebration, had undergone a profound transformation. In Marini’s work, the equestrian group gradually becomes a site for reflection on instability, vulnerability, and the human condition.
The artist’s early riders, firmly seated upon calm, powerfully grounded horses, still engage in an evident dialogue with the tradition of Western equestrian sculpture. Yet Marini already favoured a simplification of form informed by Etruscan art, archaic sculpture, and so-called primitive modes of expression. After the Second World War, this serene construction begins to fracture: the riders lose their secure footing, the horses rear, and the balance between man and animal becomes precarious. The heroic motif is thus transformed into an image of tension and fragility.
It is precisely this rupture that finds its fullest expression in Cavallo. The rider has disappeared, leaving the animal alone, confronted by a force that seems to overwhelm it. The horse rears, its neck violently thrown back, while its taut body appears suspended between resistance and collapse. Marini does not seek to render movement naturalistically, but rather to concentrate all its force within a construction of simple, intensely taut volumes. The animal thus becomes less the subject of a naturalistic representation than a true embodiment of anguish.
This transformation takes on particular resonance in 1952, the year in which Marini was awarded the International Sculpture Grand Prize at the Venice Biennale, confirming the international recognition of his work. At this stage of his career, the equestrian theme stood at the heart of his artistic language and was giving rise to some of its most radical formulations. The choice to depict the horse alone is especially significant: stripped of the rider who had traditionally embodied its power, the animal becomes the bearer of an emotion that is now universal.
Through its expression of terror and the torsion of its body, Cavallo may also evoke the horse in Pablo Picasso’s Guernica, painted in 1937. As in Picasso’s work, the animal here transcends its status as a mere motif to become a figure of suffering and of the violence of the modern world. This affinity does not necessarily imply a direct quotation, but rather reveals a shared sensibility in an era when the animal figure acquired a new symbolic force.
The material itself contributes fully to this intensity. Marini cuts and scores directly into the surface of the bronze, whose roughened texture catches the light and fragments the volumes. Far from softening the form, this worked surface seems to extend the movement and tension of the body. The sculptor’s gesture thus remains perceptible within the very substance of the work.
Through the absence of the rider, its precarious balance, and its tormented treatment of the material, Cavallo offers a particularly eloquent formulation of the transformation of the equestrian motif in Marini’s work. The equestrian monument, traditionally associated with power, victory, and mastery, becomes in his hands a meditation on instability, fear, and the human condition. The horse is no longer the bearer of a heroic figure: it has become the very subject of tragedy, lending one of the oldest themes in the history of sculpture a profoundly modern and universal resonance.
M. Marini cité in 'Interview with Édouard Roditi', 1958 cité in Dialogues – conversations with European Artists at Mid-century, Londres, 1990, p. 87-88.
Conçue en 1952, notre sculpture appartient à un moment décisif de la recherche menée par Marino Marini autour du cheval et du cavalier depuis les années 1930. À cette date, ce motif, longtemps associé à la puissance, à la maîtrise et à la célébration du héros, a profondément changé de sens. Chez Marini, le groupe équestre devient progressivement le lieu d’une réflexion sur l’instabilité, la vulnérabilité et la condition humaine.
Les premiers cavaliers de l’artiste, solidement installés sur des chevaux calmes et puissamment campés, entretiennent encore un dialogue évident avec la tradition de la statuaire équestre occidentale. Marini y privilégie cependant déjà une simplification des formes nourrie par l’art étrusque, la sculpture archaïque et les expressions primitives. Après la Seconde Guerre mondiale, cette construction sereine se fissure : les cavaliers perdent leur assise, les chevaux se cabrent et l’équilibre entre l’homme et l’animal devient précaire. Le motif héroïque se transforme alors en une image de tension et de fragilité.
C’est précisément cette rupture que cristallise Cavallo. Le cavalier a disparu, laissant l’animal seul face à une force qui semble le dépasser. Le cheval se cabre, l’encolure violemment rejetée en arrière, tandis que son corps tendu paraît suspendu entre résistance et chute. Marini ne cherche pas à décrire un mouvement avec réalisme, mais à en concentrer toute la puissance dans une construction de volumes simples et fortement tendus. L’animal devient ainsi moins le sujet d’une représentation naturaliste qu’une véritable figure de l’angoisse.
Cette transformation prend une résonance particulière en 1952, année où Marini reçoit le Grand Prix international de sculpture de la Biennale de Venise, consacrant la reconnaissance de son œuvre sur la scène internationale. À ce moment de sa carrière, le thème équestre est au cœur de son langage et connaît certaines de ses formulations les plus radicales. Le choix du cheval seul est particulièrement significatif : débarrassé du cavalier qui incarnait traditionnellement son pouvoir, l’animal devient le porteur d’une émotion désormais universelle.
Par son expression de terreur et par la torsion de son corps, Cavallo peut également évoquer le cheval de Guernica, peint par Pablo Picasso en 1937. Comme chez Picasso, l’animal dépasse ici son statut de simple motif pour devenir une figure de la souffrance et de la violence du monde moderne. Cette proximité ne relève pas nécessairement d’une citation directe, mais témoigne d’une sensibilité commune à une époque où la figure animale acquiert une puissance symbolique nouvelle.
La matière participe pleinement à cette intensité. Marini incise et strie directement la surface du bronze, dont les aspérités accrochent la lumière et fragmentent les volumes. Cette peau travaillée, loin d’adoucir la forme, semble prolonger le mouvement et la tension du corps. Le geste du sculpteur demeure ainsi perceptible dans la matière elle-même.
Par son absence de cavalier, son équilibre précaire et son traitement tourmenté de la matière, Cavallo constitue ainsi une formulation particulièrement éloquente de la transformation du motif équestre chez Marini. Le monument équestre, traditionnellement associé au pouvoir, à la victoire et à la maîtrise, devient sous ses mains une méditation sur l’instabilité, la peur et la condition humaine. Le cheval n’est plus le support d’une figure héroïque : il est devenu le sujet même de la tragédie, donnant à l’un des thèmes les plus anciens de l’histoire de la sculpture une portée profondément moderne et universelle.
“My equestrian figures are symbols of the anguish that I feel when I survey contemporary events. Little by little, my horses become more restless; their riders less and less able to control them. Man and beast are both overcome by a catastrophe similar to those that struck Sodom and Pompeii. So I am trying to illustrate the last stages of the disintegration of a myth, I mean the myth of the individual victorious hero, the 'uono di virtù' of the humanists.”
M. Marini quoted in 'Interview with Édouard Roditi', 1958 quoted in Dialogues – conversations with European Artists at Mid-century, London, 1990, p. 87-88.
Conceived in 1952, our sculpture belongs to a decisive moment in Marino Marini’s exploration of the horse and rider, a theme he had pursued since the 1930s. By this time, the motif, long associated with power, mastery, and heroic celebration, had undergone a profound transformation. In Marini’s work, the equestrian group gradually becomes a site for reflection on instability, vulnerability, and the human condition.
The artist’s early riders, firmly seated upon calm, powerfully grounded horses, still engage in an evident dialogue with the tradition of Western equestrian sculpture. Yet Marini already favoured a simplification of form informed by Etruscan art, archaic sculpture, and so-called primitive modes of expression. After the Second World War, this serene construction begins to fracture: the riders lose their secure footing, the horses rear, and the balance between man and animal becomes precarious. The heroic motif is thus transformed into an image of tension and fragility.
It is precisely this rupture that finds its fullest expression in Cavallo. The rider has disappeared, leaving the animal alone, confronted by a force that seems to overwhelm it. The horse rears, its neck violently thrown back, while its taut body appears suspended between resistance and collapse. Marini does not seek to render movement naturalistically, but rather to concentrate all its force within a construction of simple, intensely taut volumes. The animal thus becomes less the subject of a naturalistic representation than a true embodiment of anguish.
This transformation takes on particular resonance in 1952, the year in which Marini was awarded the International Sculpture Grand Prize at the Venice Biennale, confirming the international recognition of his work. At this stage of his career, the equestrian theme stood at the heart of his artistic language and was giving rise to some of its most radical formulations. The choice to depict the horse alone is especially significant: stripped of the rider who had traditionally embodied its power, the animal becomes the bearer of an emotion that is now universal.
Through its expression of terror and the torsion of its body, Cavallo may also evoke the horse in Pablo Picasso’s Guernica, painted in 1937. As in Picasso’s work, the animal here transcends its status as a mere motif to become a figure of suffering and of the violence of the modern world. This affinity does not necessarily imply a direct quotation, but rather reveals a shared sensibility in an era when the animal figure acquired a new symbolic force.
The material itself contributes fully to this intensity. Marini cuts and scores directly into the surface of the bronze, whose roughened texture catches the light and fragments the volumes. Far from softening the form, this worked surface seems to extend the movement and tension of the body. The sculptor’s gesture thus remains perceptible within the very substance of the work.
Through the absence of the rider, its precarious balance, and its tormented treatment of the material, Cavallo offers a particularly eloquent formulation of the transformation of the equestrian motif in Marini’s work. The equestrian monument, traditionally associated with power, victory, and mastery, becomes in his hands a meditation on instability, fear, and the human condition. The horse is no longer the bearer of a heroic figure: it has become the very subject of tragedy, lending one of the oldest themes in the history of sculpture a profoundly modern and universal resonance.