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拍品专文
En tant que l’un des plus grands photographes du XXe siècle, Irving Penn restera dans les mémoires comme un maître du médium photographique, un homme à l’oeil attentif qui brise la frontière entre l’art commercial et la photographie artistique. En 1943, il est embauché par Alexander Liberman, directeur artistique de Vogue, en tant que designer pour le magazine.
N’ayant jamais travaillé professionnellement en tant que photographe auparavant, les missions initiales de Penn étaient de préparer des mises en page et de suggérer des concepts pour la couverture du magazine chaque mois. Mais au fil du temps, Liberman et Penn n’étaient pas satisfaits des photographes qu’ils embauchaient pour exécuter leurs idées - alors Penn commença à prendre les images lui-même.
Entre 1943 et 2004, Penn produit des clichés pour 165 couvertures du magazine Vogue, plus que tout autre artiste à ce jour. Son style minimaliste, qui privilégie un décor sans fioritures, des lignes formelles fortes ainsi que des volumes et des silhouettes, contraste nettement avec celui de ses contemporains. Il disait que ce style était né d’un besoin de « rendre les choses suffisamment gérables pour les enregistrer, d’élaguer tout ce qui était sans importance… Parce que moins c’est plus ». Cette esthétique marquée, dans laquelle aucun détail n’est superflu, devient la marque de fabrique de Penn tout au long de son passage chez Vogue.
Le 1er avril 1950, Jean Patchett fait l’objet de la toute première couverture en noir et blanc du photographe. C’est également une première pour Vogue depuis que le magazine est passé à l’impression couleur en mai 1932. La robe portée par Patchett, inspirée par la montée en puissance du « New Look » de Christian Dior avec sa taille fine et ses épaules volumineuses, souligne la simplicité souvent recherchée par Penn dans ses images. A l’époque, Alexander Liberman considère que « les nouveaux jeunes créateurs américains, contraints de simplifier leurs créations à cause des pénuries de guerre, ont donné à Penn une pureté visuelle dans des vêtements pratiques conçus pour la femme maintenant active ». Sans aucun doute, Patchett a été une merveilleuse collaboratrice pour Penn. D’après Gerald Ford, fondateur de l’agence Ford Models : Patchett était “une créature absolument magnifique avec la beauté comme signature ... Jean était un super mannequin, des décennies avant que le terme « super modèle » ne soit inventé, et, étonnamment, elle a eu plus de couvertures que n’importe quel autre mannequin de l’histoire. Jean Patchett était pour Ford ce que Babe Ruth était pour les Yankees. » La pose frontale de Patchett, les mains sur les hanches, associée à une réduction de tonalités en noir et blanc, caractéristique de la pureté de Penn, accentue la silhouette et rend l’image incroyablement harmonieuse.
Tandis que les images de Penn remportent un grand succès avec les couvertures de Vogue, il revient souvent sur ses projets personnels avec la technique du tirage platine-palladium. Il manipule en profondeur chaque image et leur confère une richesse, une chaleur et une dimension limitées avec le procédé argentique. Jeff Rosenheim, conservateur de l’exposition Irving Penn : Centennial au Metropolitan Museum of Art explique : « Penn pense à ses tirages différemment de la plupart des autres artistes de sa génération, et tous les efforts mis dans sa technique, tous les efforts dans sa recherche expérimentale du médium, ont donné naissance à une oeuvre qui fait le bonheur des yeux ».
Un autre exemplaire de cette image se trouve dans la collection permanente de l’Art Institute of Chicago.
As one of the twentieth century’s greatest photographers, Irving Penn is remembered as a master of the medium, a man with a keen eye that broke down the boundary between commercial art and fine-art photography. In 1943, he was hired by Alexander Liberman, art director of Vogue, as a designer for the magazine. Having never worked professionally as a photographer before, Penn’s original job was to prepare layouts and suggest designs for the cover of the magazine each month, but as time passed, Liberman and Penn grew dissatisfied with the photographers they hired to execute their ideas – so Penn began to shoot the images himself.
Between 1943 and 2004 Penn produced photographs for 165 Vogue magazine covers, more than any other artist to date. His minimalist style, which favored an unadorned setting and focus on strong formal lines, volumes and silhouettes, distinctly contrasted with that of his contemporaries. He had said this style developed from a need to "make things manageable enough to record them, to prune away anything inconsequential…Because less is more.” This marked aesthetic, in which no detail was superfluous, became Penn’s trademark throughout his time at Vogue.
Jean Patchett was the subject of the photographer’s April 1, 1950, cover, his first in black-and-white, and the first black-and-white cover published by Vogue since the magazine switched to printing in color in May 1932. The dress Patchett wears, inspired by the rise of Christian Dior’s “New Look” with its slim waist and voluminous shoulders, highlights the simplicity Penn often sought in his images. Alexander Liberman explained that “New young American designers, forced to simplify by war shortages, gave Penn visual purity in practical clothes designed for the now active woman.” Patchett herself was undoubtedly a wonderful collaborator for Penn, as Gerald Ford, founder of Ford Models explained, Patchett was "an absolutely stunning creature with a signature beauty mark… Jean was a super model decades before the term ‘super model’ was coined, and, staggeringly, has had more covers than any fashion model in history. Jean Patchett was to Ford what Babe Ruth was to the Yankees." Patchett's pose—hands on hips, frontal view— combined with Penn’s reduction of tones to nearly pure black and white, accentuate the silhouette to the utmost, creating a truly harmonious image.
While Penn’s images achieved great success on the covers of Vogue, he often returned to these projects on his own time, turning to the platinum-palladium printing process in order to extensively manipulate each image to his liking and creating richness, warmth, and dimension that was limited in the gelatin silver process. As Jeff Rosenheim, curator of the Irving Penn: Centennial exhibition at the Metropolitan Museum of Art explained, “Penn thought about his prints different than most other artists of his generation, and what effort he put into his printmaking, what effort into his experimental investigation of the medium itself, gave birth to a body of work that is a delight to the eye.”
Another print of this image resides in the permanent collection of the Art Institute of Chicago.
N’ayant jamais travaillé professionnellement en tant que photographe auparavant, les missions initiales de Penn étaient de préparer des mises en page et de suggérer des concepts pour la couverture du magazine chaque mois. Mais au fil du temps, Liberman et Penn n’étaient pas satisfaits des photographes qu’ils embauchaient pour exécuter leurs idées - alors Penn commença à prendre les images lui-même.
Entre 1943 et 2004, Penn produit des clichés pour 165 couvertures du magazine Vogue, plus que tout autre artiste à ce jour. Son style minimaliste, qui privilégie un décor sans fioritures, des lignes formelles fortes ainsi que des volumes et des silhouettes, contraste nettement avec celui de ses contemporains. Il disait que ce style était né d’un besoin de « rendre les choses suffisamment gérables pour les enregistrer, d’élaguer tout ce qui était sans importance… Parce que moins c’est plus ». Cette esthétique marquée, dans laquelle aucun détail n’est superflu, devient la marque de fabrique de Penn tout au long de son passage chez Vogue.
Le 1er avril 1950, Jean Patchett fait l’objet de la toute première couverture en noir et blanc du photographe. C’est également une première pour Vogue depuis que le magazine est passé à l’impression couleur en mai 1932. La robe portée par Patchett, inspirée par la montée en puissance du « New Look » de Christian Dior avec sa taille fine et ses épaules volumineuses, souligne la simplicité souvent recherchée par Penn dans ses images. A l’époque, Alexander Liberman considère que « les nouveaux jeunes créateurs américains, contraints de simplifier leurs créations à cause des pénuries de guerre, ont donné à Penn une pureté visuelle dans des vêtements pratiques conçus pour la femme maintenant active ». Sans aucun doute, Patchett a été une merveilleuse collaboratrice pour Penn. D’après Gerald Ford, fondateur de l’agence Ford Models : Patchett était “une créature absolument magnifique avec la beauté comme signature ... Jean était un super mannequin, des décennies avant que le terme « super modèle » ne soit inventé, et, étonnamment, elle a eu plus de couvertures que n’importe quel autre mannequin de l’histoire. Jean Patchett était pour Ford ce que Babe Ruth était pour les Yankees. » La pose frontale de Patchett, les mains sur les hanches, associée à une réduction de tonalités en noir et blanc, caractéristique de la pureté de Penn, accentue la silhouette et rend l’image incroyablement harmonieuse.
Tandis que les images de Penn remportent un grand succès avec les couvertures de Vogue, il revient souvent sur ses projets personnels avec la technique du tirage platine-palladium. Il manipule en profondeur chaque image et leur confère une richesse, une chaleur et une dimension limitées avec le procédé argentique. Jeff Rosenheim, conservateur de l’exposition Irving Penn : Centennial au Metropolitan Museum of Art explique : « Penn pense à ses tirages différemment de la plupart des autres artistes de sa génération, et tous les efforts mis dans sa technique, tous les efforts dans sa recherche expérimentale du médium, ont donné naissance à une oeuvre qui fait le bonheur des yeux ».
Un autre exemplaire de cette image se trouve dans la collection permanente de l’Art Institute of Chicago.
As one of the twentieth century’s greatest photographers, Irving Penn is remembered as a master of the medium, a man with a keen eye that broke down the boundary between commercial art and fine-art photography. In 1943, he was hired by Alexander Liberman, art director of Vogue, as a designer for the magazine. Having never worked professionally as a photographer before, Penn’s original job was to prepare layouts and suggest designs for the cover of the magazine each month, but as time passed, Liberman and Penn grew dissatisfied with the photographers they hired to execute their ideas – so Penn began to shoot the images himself.
Between 1943 and 2004 Penn produced photographs for 165 Vogue magazine covers, more than any other artist to date. His minimalist style, which favored an unadorned setting and focus on strong formal lines, volumes and silhouettes, distinctly contrasted with that of his contemporaries. He had said this style developed from a need to "make things manageable enough to record them, to prune away anything inconsequential…Because less is more.” This marked aesthetic, in which no detail was superfluous, became Penn’s trademark throughout his time at Vogue.
Jean Patchett was the subject of the photographer’s April 1, 1950, cover, his first in black-and-white, and the first black-and-white cover published by Vogue since the magazine switched to printing in color in May 1932. The dress Patchett wears, inspired by the rise of Christian Dior’s “New Look” with its slim waist and voluminous shoulders, highlights the simplicity Penn often sought in his images. Alexander Liberman explained that “New young American designers, forced to simplify by war shortages, gave Penn visual purity in practical clothes designed for the now active woman.” Patchett herself was undoubtedly a wonderful collaborator for Penn, as Gerald Ford, founder of Ford Models explained, Patchett was "an absolutely stunning creature with a signature beauty mark… Jean was a super model decades before the term ‘super model’ was coined, and, staggeringly, has had more covers than any fashion model in history. Jean Patchett was to Ford what Babe Ruth was to the Yankees." Patchett's pose—hands on hips, frontal view— combined with Penn’s reduction of tones to nearly pure black and white, accentuate the silhouette to the utmost, creating a truly harmonious image.
While Penn’s images achieved great success on the covers of Vogue, he often returned to these projects on his own time, turning to the platinum-palladium printing process in order to extensively manipulate each image to his liking and creating richness, warmth, and dimension that was limited in the gelatin silver process. As Jeff Rosenheim, curator of the Irving Penn: Centennial exhibition at the Metropolitan Museum of Art explained, “Penn thought about his prints different than most other artists of his generation, and what effort he put into his printmaking, what effort into his experimental investigation of the medium itself, gave birth to a body of work that is a delight to the eye.”
Another print of this image resides in the permanent collection of the Art Institute of Chicago.